disOrdine Teatro

Manifesto Artistico di Walter Revello

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Ratio

Il disordine. L'opposto dell'ordine. Forse.

Da cosa nasce il disordine? Perché nasce? Si crea disordine per turbare l'ordine costituito o solo per mancanza di corretta organizzazione, per irregolare funzionamento della gestione o cattiva amministrazione; si crea disordine, in fondo, quando l'ordine in cui si vive non risponde al proprio bisogno di ordine. Da sempre, sono andato alla ricerca di questo ordine di cui sentivo necessità, nelle parole, nei gesti, nelle luci e nelle ombre, nelle immobilità, nei silenzi. Ed è così che a poco a poco, tra ordini che non parlavano la mia lingua e linguaggi che non avevano ancora avuto parola, si è sviluppato il mio disOrdine.

 

L'elenco che segue è un punto d'appoggio, una sosta, forzata e forzosa, per dare forma ordinata a un disOrdine Teatro che mi auguro sia destinato a disordinarsi sempre e per sempre.

 

1. Il Teatro

1. Il Teatro, se è Teatro, è Arte. E se è Arte, è comunicazione.

2. Il Teatro è quel momento chiamato spettacolo in cui si incontrano un attore portatore di un messaggio e uno spettatore capace di recepirlo; entrambi generano il momento come frutto di un bisogno, di una necessità impellente, di un'urgenza; il momento è la sottoscrizione di un accordo tacito e palese tra le parti, che si accettano, si riconoscono, si mettono in reciproco ascolto e comunicazione.

3. Il Teatro non è casuale, non capita: non si fa e non vi si assiste solo perché non c'è alternativa; un'alternativa c'è sempre al Teatro, ma se lo si sceglie è perché è risposta necessaria a un bisogno non altrimenti colmabile. Educare al Teatro è quindi dare forma a un bisogno di cui ancora non si conosce il nome.

4. Il Teatro ha in sé la ripetizione del rito: sempre uguale nella misura in cui i partecipanti sono consapevoli della sua infinita mutevolezza, sempre uguale nella sacralizzazione dei gesti e dei silenzi, nell'incontro dei partecipanti, nel disseppellire domande non poste a cui non sarà necessario rispondere; il Teatro inizia e finisce, ma, come atto sacro, genera nostalgia e mancanza, dando forma a una forma di sé che diventa vuoto da colmare, fame, gravidanza. Il Teatro è rito, che genera quotidiana attesa e periodica ritualità, diventando religione necessaria.

5. Il Teatro è insito nelle forme di Natura, nella ricerca di emulazione e mimesi di ogni creatura senziente: è la forma primigenia del gioco ancestrale a cui, programmaticamente, si sono voluti porre confini, regole, tecniche e assoggettamenti; il disOrdine Teatro vuole decostruire l'artificio innaturale di natura sociale per ritornare alla forma onesta del gioco naturale, spontaneo e impertinente, proiettato solo ed esclusivamente al bisogno di comunicare, a sé e agli altri, di sé e degli altri, di tutto.

6. Non è immaginabile un'unica idea di Teatro, un unico canone, un metodo: non esiste una verità in Teatro, ma infinite, coerenti e parallele verità, che, se ben comprese e utilizzate, si adattano al messaggio, all'attore, allo spettatore di quel preciso luogo e momento.

 

2. Il teatro

1. Il teatro è il luogo dell'incontro: non ha forma né confini prestabiliti, non ha luci né bui necessari, palchi, poltrone, sipari; il teatro è delimitato solo dalla presenza del Teatro.

2. Esistono luoghi, per abitudine e convenzione, definiti teatro: a loro, troppo a lungo, si è demandato il compito esclusivo dell'accoglienza del Teatro, confinandone il potere comunicativo a uno spazio innecessario. Il disOrdine Teatro va alla ricerca del luogo atto a fondersi con il Teatro che ne viene generato.

 

3. Messaggio

1. Si fa Teatro perché si ha un messaggio da condividere, sia esso una domanda o una risposta, una provocazione o una consolazione: l'autore parte da sé e, attraverso strade inimmaginabili, a sé tende a tornare; in questo suo percorso l'incontro con lo spettatore è l'energia cinetica che permette di completare il viaggio: è indispensabile, pertanto, che il messaggio sia articolato in modo da renderlo comprensibile e metabolizzabile, in modo che, sebbene tacito, si crei un dialogo tra chi fa Teatro e chi vi assiste e che, alla fine, ne siano entrambi saziati.

2. Si può fare Teatro con un messaggio non proprio, ma non è possibile fare Teatro con un messaggio che non si condivide, che non si comprende, che non si può rielaborare con un proprio linguaggio.

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4. Regia

1. Definito un messaggio, è necessario definirne le modalità di comunicazione: alla regia spetta il compito di impastare idea, persone, luoghi, linguaggi, momenti e opportunità per creare il contatto tra attore e spettatore.

2. Il regista di uno spettacolo teatrale ha il compito, imprescindibile e indelegabile, di dirigere tutti gli aspetti dello spettacolo, di conoscerli, di assumersene la responsabilità.

3. Compito primario del regista è la scelta: degli attori, dei luoghi, dei linguaggi, delle forme; gestire uno spettacolo significa averne compreso e condiviso ogni minima parte.

4. Il regista dev'essere attore e esserlo stato, deve essere produttore, organizzatore, bigliettaio, costumista e scenografo, tecnico, maschera e custode, spettatore, pulitore e organizzatore: il regista deve aver vissuto il Teatro in ogni suo aspetto possibile per poterlo dirigere; non è possibile, in alcun modo, essere regista con sola conoscenza teorica; non è possibile, in alcun modo, essere regista senza essere più attore; non è possibile, in alcun modo, essere regista senza essere più spettatore.

5. Regia e Attore sottoscrivono un patto, inscindibile per l’intera durata del rapporto, basato sulla reciproca fiducia, sul rispetto e sulla legittimazione dei differenti ruoli: al regista scegliere e spiegare, ideare e creare, chiedere e ottenere; all’attore domandare e comprendere, interpretare e adattare, partecipare e eseguire. Il Regista deve sempre essere consapevole che in assenza dell’Attore il Teatro non esiste; l’Attore deve sempre ricordare che senza il Regista il Teatro è vuoto. La gerarchia dei ruoli, che pone il Regista al vertice, ha un’esclusiva funzione operativa e il suo rispetto, che trascende l’indispensabile rispetto umano tra le persone, è fondamentale per il corretto funzionamento dei rapporti funzionali di ogni spettacolo.

 

5. Attore

1. L'attore è chi agisce portando in sé e su di sé il messaggio dello spettacolo.

2. Un attore non può non comprendere e non condividere lo spettacolo che sta interpretando: ne verrebbe indebolito il messaggio, lo spettacolo e il rapporto di fiducia che si instaura con gli spettatori.

3. L'attore riceve dallo spettatore la delega a compiere azioni ed emozioni, a portare nello spettacolo un'esperienza vitale che vada a nutrire il bisogno di entrambe le parti.

4. L'attore non è mai passivo nei confronti dello spettacolo, della regia, del teatro e dei compagni di scena: ogni sua azione, ogni scelta, ogni rifiuto devono essere generati nella consapevolezza di ciò che comportano per l'esito dello spettacolo e della sua rituale celebrazione; l’attore deve essere, tuttavia, consapevole che il Teatro non è anarchia né democrazia, ma una gerarchia strutturata in cui a ogni ruolo spetta un compito e uno spazio di intervento e una responsabilità di decisione.

5. L'attore deve conoscere il Teatro: cos'è stato, cos'è, cosa sta diventando; deve leggere Teatro e di Teatro, deve assistere a spettacoli, vederne le storiche registrazioni, collaborare agli allestimenti, in tutti i ruoli previsti, deve porsi domande e porne a chi può avere risposte, deve capire come lo spettacolo è vissuto dallo spettatore, dal macchinista, dal regista, dal bigliettaio. E da chi, soprattutto, allo spettacolo decide di non assistere.

6. Non è possibile, in alcun modo, divenire attore con sola conoscenza teorica: l'attore deve ricercare, sempre e comunque, il confronto con la realtà dello spettacolo, della scrittura, dell'allestimento, dell'organizzazione. Deve comprendere che lo spettacolo è, nel suo complesso, incontro di idealità e fattibilità, progetto e sua esecuzione.

7. L'attore deve confrontarsi sempre con un Teatro diverso dal proprio, approcciarvisi con oggettiva soggettività, pronto a mettere in discussione tutto ciò che crede di aver capito, compreso e scelto fino a quel momento.

8. Il codice comunicativo che l'attore sceglie deve essere il più funzionale per l'attore stesso: è indispensabile avere consapevolezza di sé e di ciò che si sta cercando nel Teatro e nell'incontro con il pubblico per avere la sufficiente onestà da ammettere gli strumenti necessari di cui servirsi per raggiungere il proprio scopo. Non esiste un Teatro valido per tutti e tutte le occasioni, un Teatro casual: ogni approccio al Teatro deve avere precisione e cura sartoriale.

9. Un attore deve essere curioso, su di sé in primo luogo, e desiderare perdere l'equilibrio ogni volta che muove il passo in un nuovo ruolo: la ricerca del personaggio, del messaggio, del bisogno del singolo spettacolo dev'essere un vettore proiettato verso il centro della propria scoperta di sé. È bene, tuttavia, che l'attore ricordi che ogni ruolo è l'abito indossato per una specifica occasione, non una nuova, artificiosa pelle a sostituzione della propria.

10. Un attore non è mai solo: anche nella potente, drammatica esperienza della messa in scena singola, l'attore dovrà sempre e comunque confrontarsi, quanto meno, con il pubblico; se l'attore crede o si convince, quindi, d'essere solo, sta solo illudendo se stesso. L'attore che lavora solo per sé e con sé deve aver acquisito la forza della consapevolezza che il proprio limite possa essere la limitatezza del proprio essere pronto a mettersi in confronto: si lavora da soli solo quando si ha imparato a farlo con altri o quando si ha paura di perdere i propri confini protettivi e, quindi, si ha deciso di non creare rapporto con il pubblico e, quindi, si ha deciso di non fare Teatro.

11. Un attore non è tale se non ha condiviso uno spettacolo con altri attori, con registi, con tecnici: la formazione di un attore avviene nel momento in cui, terminato il rito dello spettacolo, si compie il rito ancora più sacro del condividere il pasto con i compagni di scena, smessi i ruoli dello spettacolo e riacquisiti quelli dell'essere umano; si è attori solo quando si impara a essere in compagnia, considerando il proprio limitrofo come uguale, oggetto di interessante esplorazione e conoscenza.

12. L'attore è il suo corpo: deve averne cura, conoscenza, percezione. Durante lo spettacolo, deve avere sempre memoria che quel suo corpo è messo in toto e in pieno al servizio del messaggio che sta comunicando: non esistono, pertanto, pudori, imbarazzi, moderazione, restrizioni.

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